| | 主辦單位 高雄市立圖書館總館
卡內基插畫獎（英語：Carnegie Medal for Illustration），2022年前被稱為凱特·格林威獎（The Kate Greenaway Medal），2023年起更名。是英國的文學獎，一年頒發一次，於1955年誕生，為童書插畫傑出的證明。 獎項由英國圖書館與資訊專業學會（CILIP）授予該書插畫家。 凱特·格林威獎常與頒給傑出兒童文學的卡內基獎 （根據劇情作者授予）一同被提及，兩個獎項皆由CILIP頒發；而作為童書插畫獎，其性質與美國的凱迪克獎相似，但相較於凱迪克獎注重插圖與劇情的平衡、強調讓兒童理解，凱特·格林威獎更著重於整本書的藝術品質，力求閱讀時也能賞心悅目。
| | 主辦單位 大河美術有限公司
大河美術將推出群展《Hundred Quilts: No Knots Without Weight》，邀請六位創作實踐橫跨紙材、纖維、繪畫、雕塑與裝置的藝術家，包含日裔加拿大藝術家Alexa Kumiko Hatanaka、墨西哥藝術家Allan Villavicencio、澳籍臺裔Angie Pai、加拿大籍臺裔Dennis Lin、旅居英國的中國藝術家Amy Hui Li，以及韓國藝術家 Lili Lee。本展以「百衲被」（patchwork quilt）為核心隱喻，從其文化生成、物質結構與身體勞動出發，追索纖維如何在匱乏、斷裂、照護與遷移之中，逐步構築並得以延續生命的承重系統，於當代重新獲得感知與重量。 「Hundred Quilts」並非單指拼布的形式，而是指向一種由歷史反覆縫合而成的結構性存在。從北方漢人文化的百家被、佛教僧侶的袈裟（Kasaya）、日本的襤褸（Boro）與刺子繡（Sashiko），到澳洲殖民歷史中的 Rajah Quilt等，纖維始終作為記憶、身分與勞動痕跡的物質容器，既提供庇護與休憩，亦由不完整的殘片構成，每塊布料都帶著時間的沉積與身體的痕跡。 在這個科技加速，差異不斷增生的時代，展覽不強調「融合」，而聚焦於百衲被的拼組、層疊、重壓與反覆之身體性的意象，讓遷移、創傷、照護與記憶以可被觸及的方式，囤積為一種物質結構。纖維在此如同血管或神經系統，於視覺與空間之中，描繪生命與歷史流動的路徑——作品象徵著極具張力與重量的「布」，縫入一張未封邊且仍然持續生成的被褥之中。副標「No Knots Without Weight」意即「無重不成痂」，沒有重量就不會有縫補的發生，為本次的關鍵命題。「結」在此不再是技法展示，而是成為記錄耗損，也保留情感的韌性，雖破碎卻也讓歷史與身體之修復得以被看見的形式。 Alexa Kumiko Hatanaka 以手工造紙、天然染料與縫製紙雕塑，將神經多樣性的身體感知編進作品，纖維儼然成為情緒與文化流動的載體。Allan Villavicencio形塑「殘餘地景」（residual landscapes），試圖重新理解空間與存在的契機。Angie Pai 從神經生物學與創傷知情出發，將「調節」理解為關係的交織過程。Dennis Lin 透過修復與照護保存思維，在多元媒材中實踐身分與文化的守護，對抗被抹除的命運。Amy Hui Li 翻轉歐根紗，向內抵達心的場域，在撕裂與修補之間往復，使脆弱成為韌性的生成條件。Lili Lee 則引導觀者向心所停留的情感座標前行，感知內在凝結的時刻。 《Hundred Quilts: No Knots Without Weight》柔軟又充滿承載力，開放中蘊含抵抗抹除的意志，是一種以縫合對抗失語並承接重量的實踐。大河美術誠摯邀請您走入現場，辨識身負的一切，在成為絲絲縷縷的同時，一同反思與我們密不可分的結與重。 RIVER ART GALLERY will present the group exhibition “Hundred Quilts: No Knots Without Weight”, featuring six artists whose practices span paper, fabric, painting, sculpture, and installation. The exhibition brings together Japanese-Canadian artist Alexa Kumiko Hatanaka; Mexican artist Allan Villavicencio; Taiwanese-Australian artist Angie Pai; Taiwanese-Canadian artist Dennis Lin; Chinese artist Amy Hui Li, and Korean artist Lili Lee. Taking the “patchwork quilt” as its central metaphor, the exhibition examines its cultural formation, material structure, and corporeal labor embedded within. It traces how textile and fiber practices, shaped by scarcity, rupture, care, and migration, gradually form a structure capable of sustaining life, through which fiber regains a renewed perceptual and symbolic weight in the present. “Hundred Quilts” refers not only to patchwork as a form, but also to a structural condition repeatedly stitched together through history. From the Hundred-Family Quilt (baijia quilt) in Northern Chinese culture, to Buddhist monastic robes (kasaya), Japanese boro textiles and sashiko stitching traditions, and the Rajah Quilt embedded in Australia’s colonial history, fiber has long functioned as a material vessel of memory, identity, and the traces of labor. Providing shelter and protection, these textile structures are assembled from fragments—each individual piece bearing the sediment of time and the imprint of the body. In an era marked by accelerating technology and the continual proliferation of differences, the exhibition does not emphasize “fusion,” but instead focuses on the bodily imagery of patching, layering, compression, and repetition inherent in the patchwork quilt. Through these processes, migration, trauma, care, and memory accumulate in a tangible way, forming a material structure. Here, fiber operates as a vascular or nervous system, tracing the pathways through which life and history flow across visual and spatial fields. The works evoke pieces of cloth charged with tension and weight, stitched into a quilt that remains unfinished, still unfolding. The subtitle “No Knots Without Weight” suggests that without weight there can be no knot, no act of mending. It articulates the central proposition of the exhibition. The “knot” is no longer a display of technique, but a record of wear and loss, while also preserving the resilience of emotion. Fragmented as it may be, it becomes a visible form through which the repair of history and the body can be seen. Alexa Kumiko Hatanaka’s practice builds upon papermaking, natural dyes, and hand-sewn paper sculptures, weaving neurodivergent bodily perceptions into her work, where fiber becomes a carrier of emotion and cultural circulation.
| | 主辦單位 國立暨南國際大學
國立暨南國際大學與享譽國際的知名攝影師江村雄先生簽署合作意向書（MOU），宣布於暨大圖書館內設立「攝影美術館」。 攝影師江村雄提供其多年珍藏的攝影歷史資料、珍貴文物以及經典攝影作品，於館內進行長期展出，致力於梳理攝影歷史脈絡，為台灣影像藝術留下珍貴資產。 江村雄老師出身彰化員林，投身攝影藝術超過一甲子，他曾於2012年榮獲美國攝影學會（PSA）藝術組與旅遊組世界排名「雙料第一」的殊榮，並連續20餘年入選「世界攝影十傑」，生涯累積獲得超過一萬一千次國際獎項肯定，更獲頒國際攝影大師（MPSA）等崇高榮銜。江老師的作品風格多元，從畫意、生態到紀實攝影皆有極高造詣，此次與暨大合作，將其畢生心血與學術資源注入校園，具有極高的傳承意義。
| | 主辦單位 藝站跨藝社
展期：2026/4/19-5/10 開幕導覽＋茶會：4/19(日)，14:00～ 地點：藝站 One Station (香山車站前) https://www.facebook.com/onewetland 身為人，你能否感同身受動物之痛？ 4月19日，就讓我們一同跟隨藝站新檔期藝術家—王鼎元的細膩鏡頭語言，批判而哲理地省思關於台灣動物園圈養的真情實景。 創作理念 王鼎元攝影個展以動物平權為核心，透過其影像與深刻編排，喚起觀者對自然永續與生命尊重的深層反思。此展匯聚藝術家王鼎元多年創作歷程精華，完整呈現《台灣愛丁堡動物園計劃》系列作品，以批判性與哲思交織的視角，回應當代社會對動物圈養與環境永續的議題。王鼎元以攝影為媒介，融合個人生命經驗與國際動物平權理念，構築出一場視覺與心靈的對話。 展覽靈感源自英國愛丁堡動物園「不圈養大象」的行動。該園以雕像取代真象，並公開說明無法提供大象所需的自然遷徙環境，因此選擇不再圈養。這種「負圈養」的理念深深觸動王鼎元，使他開始思索臺灣動物園的現況與人類對動物的態度。他走訪全臺動物園，拍攝園舍空間與光影，再以模型動物進行後製，創造出真假交錯的超現實影像，讓觀者在熟悉與陌生之間產生省思。 王鼎元的創作並非一蹴可幾。早期作品如《你眼中所見之處是我心中僅剩的藍》與《黑洞》系列，即展現他對圈養動物心理狀態的關注。他以冷色調與重複行為的捕捉，揭示動物在牢籠中所承受的孤寂與精神壓迫。這些作品不僅是視覺呈現，更是情感與倫理的訴求，直指人類對動物的無形暴力。 關於王鼎元 1978年生於台北，畢業於國立臺灣藝術大學美術學系碩士。長年致力於攝影藝術創作與教學，現任亞東科技大學兼任講師，並於中山女高等多所高中與大專院校擔任攝影課程講師及社團指導老師，積極推動影像教育。其創作關注人像、日常觀察與影像敘事，代表系列《臉上的光彩》、《台灣愛丁堡計劃》廣受關注。
| | 主辦單位 1839當代藝廊
如果昭和時代沒有結束，世界會變成什麼樣子？ 日本攝影家薄井一議(Kazuyoshi USUI)，歷時十餘年完成的代表系列，完整呈現於 1839當代藝廊。 透過鮮明而不完美的畫面，探問生命、文化與時間的交錯，記錄逐漸消失的精神景物。 展覽期間｜4/10–5/17 展覽地點｜1839當代藝廊 開幕暨攝影座談｜4/11（六）14:30–17:00 與談人｜邱奕堅 (策展人) × 薄井一議 邀請你走進昭和未曾落幕的平行世界。 免費入場，座位有限 更多資訊，請連結於此: https://www.1839cg.com/archives/8441 https://english.1839cg.com/archives/6168
| | 主辦單位 彰化縣二林鎮立圖書館,彰化縣二林鎮公所
2026年5月【二林鎮立圖書館-主題書展】 展覽日期：5/1-5/31 展覽區域：兒童室、青少年閱讀區、書庫閱覽區
| | 主辦單位 彰化縣二林鎮立圖書館,彰化縣二林鎮公所
2026年6月【二林鎮立圖書館-主題書展】 展覽日期：6/1-6/30 展覽區域：兒童室、青少年閱讀區、書庫閱覽區
| | 主辦單位 安卓藝術
安卓藝術很榮幸於瑞光路新空間的首場正式展覽中呈現菲律賓藝術家布恩・卡路拜恩（Buen CALUBAYAN）個展「支撐之架：維護與修復的通道與顯現」 。作為藝術家在畫廊的第二次個展，卡路拜恩選擇以菲律賓語中意指「鷹架」的 Andamyo 為題，呈現一系列超越「修復」技術層面的最新創作，將維護與修復重新定位為決定我們如何感知、導航並存在於日常之中的基本結構條件。透過此視角，andamyo 成為了一種隱喻，指涉著支撐我們社會與物理現實的無形勞作與臨時框架 。展覽將於4月18日下午開幕，並展出至5月23日，我們誠摯歡迎您的蒞臨。
| | 主辦單位 新北市立淡水古蹟博物館
本次展覽以「人體與自然的共生與消逝」為主題，藝術家透過繪畫探討人與環境之間的微妙關係，創作靈感源自藝術家對淡水新市鎮長期的觀察。都市發展使陸地逐漸減少，綠地被壓縮、棲地消失，土地與自然的節奏被改寫，藝術家以創作回應這樣的變遷，試圖喚起更多人對環境的疼惜與關懷。
| | 主辦單位 高雄市立圖書館總館
主題書展-新書展圖書特展 本館藉由辦理之『主題書展』，使到館民眾進一步認識館藏資源。所展示的主題書籍及相關延伸作品，都能使讀者徜徉在書海中，進一步領略閱讀之美、享受閱讀樂趣，亦能提升視野。
|
本展覽主題「認識即共生」，引自法國天主教詩人保羅． 克羅岱勒（Paul Claudel，1868–1955）於1907年出版的《詩藝》 poétique）中所提出的觀點 。他指出，人與人之間的關係，本質上就是一種從「認識」走向「共生」的過程。 藝術家以廢棄布邊為主要創作媒材，自2024年起於國立臺灣藝術教育館、嘉義梅嶺美術館、 台南春陽美術館、台中大墩文化中心舉辦個展與永續工作坊，藉由藝術創作實踐呼籲大眾重新思 考環境保護與資源再利用的重要性。本次展覽共分為三個部分： 一、「細胞分裂」系列作品 二、「共生」系列作品 三、《Endless Runner》系列作品與錄像創作 藝術家早期以彈性織物創作的「細胞分裂」裝置作品，象徵人類慾望的生成，以及共生關係的 原始狀態。 在「共生」系列作品中，藝術家受到阿里山原始林的啟發，觀察到多種植物長期攀附於神木之 上、歷經百年的共生狀態，進而思考當代環境變遷的處境：當我們既無法完全消除，也無法輕易 脫離大量廢棄織物，同時又無法持續消耗能源進行再製回收時，是否能以另一種方式與之共存呢 ？因此，藝術家提出以編織為創作形式，使廢棄織物同時具備功能性與美感，作為能夠存在於生 活空間中的共生物件。 此外，藝術家亦結合竹編技法，將廢棄布編織物包覆於舊有塑膠製品之上，形塑出近似生物的 樣態，賦予其全新的視覺與感知經驗，並期望引導觀者反思當代社會過度使用塑膠製品所衍生的 環境問題。 新作《Endless Runner》中，藝術家以擬人化手法，創作兩件以廢棄布邊編織而成的無眼獨角 獸形象：白色象徵純淨與神聖，藍色象徵智慧與和平。作品透過立體、平面與錄像等不同形式， 呈現永續發展中各種期待與行動所交織、融合的過程。 為呼應本展覽精神，藝術家將於6月13日14時至15時舉行開幕式，並於下午15時至18時於高雄 市文化中心至真三館舉辦一場免費的永續工作坊，主題為「廢棄布邊生活小物」創作，歡迎民眾 報名參加，名額共40位，額滿為止。報名連結： 本展覽特別感謝逢甲大學的指導，以及達紡企業股份有限公司的贊助。近年來，達紡企業積極 投入永續創新發展，免費提供廢棄布邊並成立工作坊，定期培訓種子教師與公益團體，致力於扶 植國內外弱勢族群，為實踐永續社會責任的優質企業典範。
|
墨韻流芳，禪心寄遠。高雄市書法學會聯展「墨韻禪心－至上情」，將於115年6月12日至6月23日，假高雄文化中心至上館雅致展出。翰墨之間，或靜或動，一筆一畫蘊藏心境，一紙一卷映照風華。 謹訂於6月13日（星期六）下午二時舉行開幕茶會，誠邀雅士蒞臨，共品茶香墨韻，細賞書藝之美，於寧靜之境中，感受東方文化之深遠意涵。
| | 主辦單位 星紅藝廊
5/2（六）14:00-16:00 開幕音樂會：三琶/中阮原聲二重奏 音樂家：陳廷芳、詹曉珮 自由參加，歡迎蒞臨。
| | 主辦單位 星紅藝廊
| | 主辦單位 桃園市政府地方稅務局
桃園市政府地方稅務局2樓藝文走廊自即日起展出「陳玉燕個人國畫展」，由陳玉燕老師帶來國畫個展。展覽期間至115年6月26日止，每週一至週五上午8時至下午5時（國定假日不開放），歡迎民眾蒞臨欣賞。 中華書畫藝術源遠流長，從傳統的氣韻、意境與創作形成傳統構思和當代藝術。陳老師師承莊壹竹、陳正治等二位老師，基礎的傳統水墨紮根，再加入現代水墨之思維創意，並持續學習繪畫技巧，讓作品呈現出豐富且多樣的面貌。 此次作品內容多元，包括山水、雲海、花鳥等彩墨畫，竭誠歡迎藝術同好及市民朋友們蒞臨指導與欣賞，陳老師藉著畫筆，娓娓道來對於藝術的感受與喜愛，在佇足欣賞的同時，期能傳達美好賞心悅目的視覺享受。
| | 主辦單位 臺中市屯區藝文中心
臺中市逍遙藝術學會成立於民國78年（1989年），由藝術家高連永先生創辦，迄今已逾三十六年，現有會員約78人。學會以研究與推廣藝術為宗旨，長期培育藝術人才，匯聚眾多熱愛創作的藝術家與藝術同好，持續實踐「生活藝術化、藝術生活化」的理念。會員創作媒材多元，涵蓋書法、雕刻、水墨、膠彩、油畫、水彩與攝影等形式，展現豐富多樣的藝術語彙與創作風貌。 本次展覽除呈現篆、隸、楷、行、草的筆墨韻律外，也透過水墨與油畫描繪自然景觀，展現藝術家對土地與生活的細膩觀察。創會會長高連永書法與篆刻兼擅，取法秦漢古璽；葉登聰書法筆勢豪放，亦精於印藝；陳麗真擅長描繪山水、雲濤與瀑布景致；羅貴木則以彩筆呈現臺灣鄉土風情等…。透過多元媒材與題材交織，帶領觀者感受藝術與人文交融的創作魅力。
| | 主辦單位 財團法人臺灣好文化基金會,池上穀倉藝術館
吳清友先生（1950-2017）生於臺南縣的將軍鄉馬沙溝平沙村的農家，家中有九位兄弟姊妹，在兄弟中排行老四。1972年畢業於臺北工專機械科，早年從事專業餐廚與旅館設備的銷售經營18年，卻在1989年近40歲時創立了誠品書店，轉彎成為文化人。同時成立「誠品畫廊」，秉持著使命感與理想性格，以推動華人當代藝術為職志，經營成果斐然，並於2009年成為首間參展世界知名的巴賽爾國際藝術博覽會（Art Basel）的臺灣畫廊。而戮力推動臺灣文化志業的吳清友先生，也因此邂逅藝術、愛上藝術、贊助藝術，並且進而與藝術家為友。 本展展名「相遇．相知．相疼惜」，是吳清友先生生前常說的一句話，簡短的道出了他看待人與世界的方式，也映照出他一生溫厚而堅定的倫理實踐。作為本展的標題，不僅是對吳先生的致敬，更是一條貫穿展場的情感脈絡，引領觀眾重新走入他與人、與藝術、與土地之間的種種相遇，細讀那份理解與溫柔如何形塑出他獨特的生命軌跡。 展覽分為四個展區與一個閱讀空間，皆以他生命中重要的情感經緯為軸，構成如同傳記般的視覺敘述。有些作品未必名聲顯赫，卻因曾被他凝視、珍藏而蘊含獨特的溫度；它們承載著一段段無聲的相遇，也是一頁頁關於認識與疼惜的篇章。首先「愛與仁慈」揭示吳先生生命中最爲質樸的一面：他來自基層，始終對勞動者懷有深切的理解與尊重；他曾匿名捐款救助病童，也時常以購藏之名伸出援手。他以藝術為媒介，讓收藏成為回應社會現實的行動。其次，「生命的哲思」則轉向抽象與精神性層面，回應他中年後面對人生虛無感所展開的內在追尋，亦可見其對東方美學與宗教思想的關懷。而「與藝術家為友」則展現他與藝術家之間豐富的人際網絡與精神交流，那不僅是畫廊或藏家對藝術家的支持，更是彼此相知、共同創造的見證。最後的展區，「風景鄉情」以描繪臺灣山川土地的作品為主，承載吳先生對故鄉的深厚依戀，也反映他創立誠品與推動文化事業背後「為這片土地做點事」的初心。此外，展場中一隅，特別佈置如誠品書店般的角落，書櫃所陳列的書籍皆為吳先生生前所珍愛與推薦，映照其精神世界，也延續他以閱讀陪伴日常的生活方式。 因此，「相遇．相知．相疼惜」不只是一句語錄，它是吳清友先生生命經驗的提煉，也是他與這個世界對話的姿態。透過這場展覽，我們或許能循著他的步伐，看見藝術如何溫柔地進入生命，也讓一個人的信念得以在理解與共感中繼續發酵、延展。
| | 主辦單位 南投文巢獨立書店
老城記憶、緩步拾光—南投舊城深度文化走讀 南投市，不只是河谷聚落。在清朝年間，它曾是南投縣丞署所在，繁華一時的歷史古都。你是否好奇，那些斑駁的紅磚牆、古老的廟宇和沉靜的老街巷弄裡，究竟藏著多少塵封的歲月故事？ 本場活動，將走訪 官方權力的見證：探索18世紀舊縣府（原為南投縣丞署所在地）周邊的歷史脈絡，想像清代地方官員在此辦公的場景，感受權力中心在時光中的轉換。 信仰與生活中心：走進歷史悠久的藍田書院和南投配天宮。書院的寧靜與廟宇的香火鼎盛，是舊城居民精神生活的兩大支柱，體會傳統建築之美與科舉文化薰陶。 百年老街的日常與文學情懷：漫步於充滿人情味的南投百年菜市場與南投古街，這裡正是文學家龍瑛宗筆下「植有木瓜樹的小鎮」的寫實場景。我們將尋覓老故事、老味道，走過他曾經走過南投小鎮的痕跡，感受那種既純樸又充滿生命力的南投獨有古早味，從中映照出文學的浪漫與鄉愁。 日治時期的印記：探訪南投武德殿、日式宿舍群、圓環、南投稅務出張所等歷史建築，從中感受不同時代疊加的文化層次與生活痕跡，與文學家身處的時代背景進行對話。 為什麼你不能錯過？ 深度解說Ｘ文學導讀：由資深文史工作者帶路，不只是看建築、聽歷史，更能帶入龍瑛宗的文學視角，讓南投不只是舊城，更是一座充滿想像力的「漫畫」小鎮。 適合所有年齡：路線平緩，節奏輕鬆，適合親子、情侶、文史愛好者和想要了解家鄉故事的你。 重新發現南投：跳脫觀光景點，從文化與文學角度重新認識南投的深厚底蘊，不再只是過境的山區門戶。 集合地點：南投武德殿（地址：南投市彰南路二段65號） 人數限額：25人 歡迎至活動網站線上報名
| | 主辦單位 高雄市政府文化局
本展為蔣瑞山85筆禪書法展，今年85歲的蔣先生，70歲開始追隨黃華山老師學習書法，初學時以臨摹為基礎，一心三用之臨摹法，注意力在於線條，臨摹法則是弓箭步、左右平衡，同時以無形的禪與有形的毛筆巧妙結合在一起，以身運筆寫出自身的真情，發乎自然意境，身心都能自由發揮通暢，作品自然呈現禪意，歡迎觀賞。
|
線，是最純粹的語言。 藝術家吳丁賢以極簡的姿態介入畫布，在大片留白之間，讓線條自由呼吸、起落、流轉。 他不描繪形象，卻在無形之中勾勒出生命最真實的節奏，有時輕盈，有時沉靜得像一個長長的停頓。 色彩是他的底色，也是他的心境。 粉金與玫瑰的溫柔，藍紫與炭黑的深沉，在不同畫面裡訴說著不同的心境，繁複在底層，平靜在表面，如同喜悅與憂鬱從不曾真正分離。 那份簡約輕巧，是經過層層覆蓋、反覆沉澱之後才得以浮現。線在其中舞動，生命的底色，自然就慢慢顯影了。
| | 主辦單位 大美無言藝術空間
我們每天都在經過，不論是通勤、工作途中，或是旅行的路上，但大多時候我們只是「走過去」，很少真的停下來看。或許因為它們太日常了，日常到幾乎被忽略，但正是這些平凡的片段，真實地構成我們對這座島嶼的記憶輪廓。 這些畫面不是特定地標，而是那種你可能覺得眼熟、似曾相識，卻又說不出確切位置的地方。公路、邊坡、護欄、或遠方的地形等，這些元素在藝術家陳明德的作品裡反覆出現，讓風景停留在一種熟悉又有點陌生的狀態。 畫面中，陳明德將地平線拉得很遠，讓觀者的視線得以持續往前走，而不是被景物立刻抓住。作品裡沒有呈現什麼戲劇性的事件，也沒有刻意鋪陳的故事，然而就是這一種平靜、持續存在的狀態，對他而言，這樣的風景更貼近真實的生活節奏。 創作的過程中，藉由手的勞動，一層一層地上色、來回修正，其實就是把時間慢慢留下來。在這個資訊與影像如此快速的時代，藝術家選擇用這種「慢」的方法，重新感受自己與環境的關係，彷彿在走路，用身體的節奏，一步一步行在島嶼的路上。 若以一句簡單的話來表達想呈現的畫面，陳明德說：「那應該就是路過台灣的感覺吧！」 #個展 #油畫
| | 主辦單位 國立臺中教育大學
國立臺中教育大學於1946年成立台中師範美術科，為國內首創美術專業教育機構。2004年更名美術學系，匯集臺灣學院藝術教育者暨知名創作者於一堂，師生在此基地共研美術理論與實踐，在藝術專業領域和美術競賽中屢獲佳績。臨春風，思浩蕩—是藝術家希望感應環境、締結心境與創建藝術之境。美術學系教授聯展在春華燦爛之際舉行，不但回應世界和社會脈絡的時代之風，也希望藉此展現教育者暨創作者多年來不斷追求發展的藝術風格。 國立臺中教育大學美術系115年教授聯展同時在本校求真藝術中心和林之助紀念館舉行，希望以不同規模的作品帶給觀眾不同的美感體驗與感受。「今日之風」展場的大型作品，呈現學院藝術家與時代社會同步的創作風貌與努力；「明日之風」的精緻畫作，提供藝術家所記錄的美感意象。前者致力於建立風格，後者則結合場所型態、描摹未來的藝術之路。 展覽主題「今日之風 明日之風」，一方面化用了教育春風和藝術春風典故，藉以描述和期許美術學系教授的教育和美術努力。另一方面也從曾服務於國立臺中教育大學34年的台灣前輩畫家林之助教授座右銘延伸而來。林之助教授將日本諺語「明日は明日の風が吹く」轉換成「明日有明日的風吹」：未來必將改變，挑戰必將到來，然而我們不必焦慮，應該保持樂觀，專注於當下的工作與努力。這正是國立臺中教育大學美術系教授暨藝術創作者群的教育與藝術生命寫照。 #聯展 #油畫 #水彩 #膠彩 #雕塑 #複合媒材