| | 主辦單位 臺中市葫蘆墩文化中心
展出作品包含「臺灣現代陶藝之父」林葆家及王修功、張繼陶、蔡榮祐、游榮林、潘憲忠、徐崇林、王德生、陳金成、李幸龍、張逢威等多位陶藝家精采之作，此外尚有1996年、1997年「臺灣陶藝展」多件優選作品。從傳統圓潤、工整的器形，到造型語彙鮮明的當代創作，皆呈現陶藝在形式與美感上的多重可能
| | 主辦單位 臺中市立圖書館后里分館
下午茶時光書展 三點一刻的儀式感，從翻開一本書開始。 本次書展精選烘焙、茶品、甜點與茶點食譜。 不用排隊排到天荒地老，一張桌子、一本書，廚房就是你專屬的私房咖啡館。 今天下午，你想翻開哪一道甜點？
| | 主辦單位 臺中市葫蘆墩文化中心
臺中市中堅攝影學至今已經創立五十週年了，一群愛好攝影的同好，秉持對攝影藝術的熱愛與傳承的使命，重視自然生態，提升影藝水準，50年來不遺餘力。並結合新的數位AI科技、應用攝影技巧於藝術創作中，在會員影藝聯誼與技術精進互動下，精選出本會優秀會員的年度精華作品及50週年特輯，特此舉辦本影展，歡喜分享大家。
| | 主辦單位 臺中市葫蘆墩文化中心
天地有大美，而不言。本展以油畫創作為主要媒材，運用層層堆疊的色彩、細膩筆觸與光影肌理，從「印象、光影、時間」出發，凝視自然瞬息之變；經由油彩在畫布上的暈染、轉化與流動，使風景游移於現實與心境之間；進而走向「心向、生命、記憶」，沉澱為內在的心象風景；最終回歸「簡化、筆墨、禪意」，於半抽象的油畫語彙中提煉本質，呈現東西交融、靜謐深遠的藝術之美。
| | 主辦單位 臺中縣葫蘆墩美術研究會
葫蘆墩美術研究會自1976年創會以來，歷經五十載的耕耘與傳承，從早期以自然為師、追求光影與氣韻的創作傳統，逐步發展出包羅萬象的藝術語彙。研究會成員橫跨數個世代，創作媒材多元，包括水墨、油彩、水彩、膠彩、漆畫等，風格從傳統筆墨到當代觀念皆有涵蓋。本次聯展集結會員代表性與新銳作品，試圖呈現既有脈絡的延續與創新的對話，讓觀眾在觀看之餘，理解創作者如何在傳統與現代之間尋找新的表現可能。 本次聯展集結會員代表性與新銳作品，試圖呈現既有脈絡的延續與創新的對話，讓觀眾在觀看之餘，理解創作者如何在傳統與現代之間尋找新的表現可能。 此次展出作品共計62件，每件作品皆由藝術家親自挑選，象徵他們對自然、生活與美學的不同觀照。展覽期間除了靜態展示，我們也安排周末導覽，期望透過對話與互動，使觀眾不僅是旁觀者，進而能成為創作現場的一部分。無論您是長期關注本會的資深收藏者，或是初次踏入藝術院落的民眾，都能在這裡找到引人深思的視覺經驗與情感共鳴。 誠摯邀請各地藝術愛好者走進這座古典院落，感受建築與景致所營造的時空氛圍。在這裡，藝術不僅懸掛於白牆上，它同時存在於院中老樹的年輪、光線落在瓦片上的流動，以及每一位訪客的足跡與互動。讓我們在2026年的「藝流歲月」中，共同探索古今交融的美學可能，於歷史與當代之間尋得新的靈性與感動。期待您的蒞臨，一同見證與參與這場屬於地方、屬於時代、亦屬於每一位參與者的藝術盛會。
| | 主辦單位 張宇彤(水彩)
《水色心境-畫筆下的內在風景》呈現青年創作者張宇彤對日常與自然的細膩凝視。現就讀臺中一中美術班的她，自幼浸潤於繪畫世界，以水彩為媒介，在透明流動的色層之間，探索光影、情感與心境交會的瞬間。作品題材涵蓋山林水畔、街角風景與生活片段，透過柔和而敏銳的筆觸，將外在景物轉化為富含情感溫度的內在風景。其創作不僅展現扎實的造形與色彩基礎，更流露出年輕創作者對世界真誠而深刻的感受力。在師長與藝術啟蒙者的引導下，宇彤逐步建立獨特的藝術語彙，也讓觀者得以在畫面流轉的水色之中，感受一場關於記憶、感知與生命情感的靜謐對話。
| | 主辦單位 陳怡君
展出者積吶虹光（Gina Hong Guang）以壓克力彩創作，透過鮮明色彩與圓形幾何語彙，探討當代社會中的對立、差異與共存議題。 《青天白日滿地虹：RHS沒有敵人的幾何》，以圓形為主要視覺元素，結合藍天、白雲與彩虹等意象，重新詮釋人們熟悉的色彩符號。創作者認為，顏色原本沒有界線，也不屬於任何人，透過藝術創作，讓不同顏色重新回到同一片天空下共存，傳達包容、多元與和平共處的理念。 作品以層層堆疊的圓形光譜構成，展現流動而和諧的視覺節奏。圓形不僅是創作形式，更象徵平等、完整與無邊界的關係。在色彩交融與光影變化之間，每件作品彷彿成為一座心靈容器，引導觀者放慢腳步，感受內在的平靜與思考。
| | 主辦單位 何映萱(纖維畫)
「纖境」何映萱個展以纖維作畫，將編織轉化為一種書寫與凝視的行為。線材如同時間與感知的延伸，在反覆纏繞、堆疊與解構之中，逐漸形成屬於生命的紋理語言。創作不只是物件的建構，更像是一種內在世界的召喚——那些無法被言語完整描述的情緒、記憶與感知，透過纖維緩慢生長。 「纖境」試圖建構一處介於現實與想像之間的場域。觀者穿行其中，如同進入一座由纖維生成的仙境，在柔軟與堅韌、脆弱與重生之間，感受生命流動的痕跡。邀請觀者穿越感知邊界，在柔軟與張力並存的空間中，重新觀看內在世界，並與自身展開一場安靜而深層的對話。
| | 主辦單位 何映萱(纖維畫)
《纖境》以纖維作為書寫生命的媒介，透過編織柔軟而堅韌的特性，回應情緒、記憶與內在感知的流動。創作者Vanessa何映萱運用多樣線材堆疊與有機結構，將身體經驗、女性能量與島嶼文化痕跡交織其中，使編織不只是工藝形式，更成為一種修補生命敘事的藝術實踐。 展覽中，線材如時間般反覆纏繞、拉扯與重構，逐漸生成介於現實與想像之間的纖維場域。觀者穿行其中，彷彿進入一座由感知編構的纖維仙境，在柔韌與脆弱並存的空間裡，重新凝視自身情緒與記憶，感受工藝所蘊含的陪伴與療癒力量。
| | 主辦單位 臺中市立圖書館大墩分館
臺中市立圖書館大墩分館6月主題書展 2樓兒童書展區:原來數學這麼好玩 數學不只是公式和計算，更是一場充滿驚喜的思考冒險。 每天只要15分鐘，陪著孩子一起觀察、思考、解題，在輕鬆有趣的互動中培養邏輯力、專注力與解決問題的能力。透過生動的故事、趣味遊戲和生活化的數學題目，讓孩子發現數學其實就在身邊，也能從中獲得滿滿的成就感。 3樓開架閱覽區:旅遊全攻略書展 翻頁，就是出發的起點。腳步到不了的地方，文字帶你去。收集相關旅遊圖書，歡迎民眾借閱。 3樓青少年閱覽區:閱讀全壘打《閱動生活》主題書展 讓運動與閱讀共振，邀請大家走進書頁、親身體驗閱讀的魅力。展出書籍融合閱讀與運動的活力，開啟全新閱讀旅程。
| | 主辦單位 蔡琨維(兩撇)(陶瓷)
在烈焰與灰燼交織的柴燒窯中，仙水窯兩撇柴燒展現了陶藝創作對自然與時間的深層對話。本展精選以無上釉柴燒技法燒製的金銀彩作品與青瓷器物，呈現火痕與落灰共舞的獨特美學。金銀彩閃耀而不浮華，青瓷溫潤且內斂，兩者皆透過無釉之火與灰的自然交融，展現材質最真實的表情。 仙水窯的「翠玉青瓷系列」創作，是近幾年才問世的作品。採用傳統柴燒裸坯入窯，不施任何人工合成釉藥，只為追尋那最純粹的自然之美。有異於一般柴燒，將燒製時間延長至三、甚至四倍。這段漫長的旅程，讓窯內的木灰有足夠的時間，如同雪花般，溫柔而細緻地灑滿每一件作品，形成一層完美無瑕的天然落灰釉。因此，作品告別了傳統柴燒的「陰陽面」，呈現出渾然天成的滿釉效果。 當窯溫來到 1250–1300°C 的高點，木灰在陶土表面熔融成一層薄薄的透明玻璃質。奇妙的是，當這層自然釉覆蓋在富含鐵質的胎土上，它便會瞬間蛻變，綻放出宛如翡翠般、溫潤迷人的青綠光澤。這不僅是陶藝，更是大自然與火、土共同完成的藝術創作。 耀眼與靜謐、剛烈與柔和－看似衝突的雙重特質，在仙水窯柴燒作品裡卻是完美結合。作者蔡琨維(兩撇)將傳統燒窯技藝融入現代思維，持續探索柴燒的當代表現。在偶然與控制之間，尋求作品與自然共生的平衡。
| | 主辦單位 高雄市立圖書館總館
本次主題書展精選菲律賓、越南、新加坡及馬來西亞相關館藏，內容涵蓋旅遊指南、歷史文化、特色美食、自然景觀及語言學習等主題。透過閱讀帶領讀者深入認識各國的人文風貌與旅遊特色，感受多元文化的魅力，在書香中展開一場精彩的東南亞探索之旅。
| | 主辦單位 高雄市立圖書館總館
台灣與東南亞地緣相近，更有著深厚的新住民與移工文化連結。本展期盼打破刻板印象，透過文學、飲食、歷史與旅行等維度，帶領讀者重新認識充滿生命力的東南亞，在書香中享受一段悠閒的「南洋好時光」。
| | 主辦單位 高雄市立圖書館總館
打破法律高不可攀的刻板印象，精選生活實用法律書籍，搭配情境式佈展，以簡單易懂的方式，使讀者保障自身權益。
| | 主辦單位 淡江大學文錙藝術中心
(１)展期：115年6月3日至115年7月1日。 (２)開幕式：115年6月4日上午10時30分。 (３)展覽概述：由本中心主辦、國立臺灣藝術大學書畫藝術學系協辦、張進勇當代書畫藝術學會承辦，並由國立臺灣藝術大學助理教授楊企霞擔任策展人。為弘揚張進勇教授畢生致力於藝術創作、教育與創新之精神，由楊企霞助理教授發起成立學會並策劃辦理本展，以「藝境穿梭」為題，緬懷張教授於書畫藝術領域之卓越成就及其對藝術教育之深遠影響。本次展出匯聚多位大學書畫名家與學會成員，涵蓋老、中、青三代藝術創作者，展出作品媒材包含彩墨、膠彩及書法等，內容豐富多元，展現當代書畫藝術在傳統承繼與創新發展之間的豐沛能量。整體展覽兼具學術交流與藝術推廣意義，呈現當代書畫之文化深度與時代精神，非常精彩。
| | 主辦單位 高雄市立歷史博物館
1920年代，一群青年立志守護臺灣農村，援助貧苦佃農的生計。在他們之中，帶著小提琴的革命家-簡吉（1903-1951年），深受農民敬愛，並獲得知識人的推崇。然而，他的行動也引起當權者忌憚，從而背負污名。 一百年前，1925年簡吉協助高雄農民成立「鳳山農民組合」，其前身「鳳山小作人組合」，是本島最早的農民運動組織。憑藉素樸的正義感和不服輸的志氣，簡吉與一代有志青年，穿梭在臺灣各地農村，在田野、鐵路與糖廠之中，掀起一波又一波的社運浪潮。
| | 主辦單位 國立高雄大學建築學系
地方，透過指認與標記所圍塑出的物理與心理界線。 地方的組成，也就是界線內的組成，包含人、環境與行動。 眷村，不只是物理環境，人與環境的互動關係，還有人們彼此交織的生命故事所形成的共同記憶。 你認識建業新村嗎?什麼是以住代護? 請走一趟轉角壹貳壹，帶你認識這地方發生什麼事。
| | 主辦單位 高雄市立美術館
參展藝術家︰BALLBOSS、李瑾倫、吳欣芷、吳紹華、季榆汝、張梓鈞 給小朋友的話 你去過英國嗎？你知道大笨鐘在哪裡？ 也許你看過電視裡的英國女王、紅色的雙層巴士，或是戴著高帽子的皇家衛兵。不然，你也一定聽過《愛麗絲夢遊仙境》、《小彼得兔》、《小熊維尼》，或是《哈利波特》的故事，你知道嗎?原來這些故事的作者都來自英國。 英國有許多充滿想像力的故事，但你有沒有想過這些故事是怎麼開始的？插畫家又是怎麼把文字變成一張張的圖畫？你想知道台灣的插畫家們，怎麼觀察生活、感受世界，又是怎麼畫出想念的家鄉嗎？讓我們一起來發現他們作品裡的故事。 對了，你知道為什麼英國人那麼喜歡喝下午茶嗎？ 英式下午茶是喝紅茶還是綠茶呢？原來在英國，喝茶不只是喝飲料，還是一種聊天、分享和交朋友的方式喔！想知道更多英國有趣的故事嗎？讓我們一起透過圖像和閱讀，開啟你的無限想像吧！ 給家長的話 在孩子尚未熟悉文字之前，圖像往往是他們理解世界最早的語言。透過觀看、想像與閱讀，孩子逐步建立對環境、情感與故事的認識，也在這個過程中培養思考與表達的能力。 英國童書長期重視想像力、幽默感與獨立思考，許多經典作品不急於給出答案，而是邀請讀者提問與想像，這樣的精神也深深影響了台灣當代插畫創作。本展覽以英國童書與插畫創作為起點，邀請曾留學英國的台灣插畫家，從圖像創作、故事敘事到閱讀體驗，帶領孩子認識圖像如何成為理解世界的一種方式。 透過原畫展示、繪本閱讀與互動體驗，讓孩子從「看見圖像」，進而「進入故事」、「理解創作」、「嘗試表達」。我們期待孩子不只是看展覽，而是在過程中發現：閱讀不只存在於文字之中，圖像本身，就是一種閱讀世界的方式。
| | 主辦單位 朝代藝術畫廊
朝代畫廊向您宣布，我們將於5月16日下午4點舉行台灣攝影藝術家李岳凌個展《伏流》開幕茶會，展期至6月27日。本展將呈現李岳凌於台灣南部的母親河曾文溪流域進行之攝影創作計畫，延續其對身體、信仰與土地之間關係的長期關注。《伏流》承接其2017年攝影集〈Raw Soul〉的感知探索，進一步深入民間信仰與集體記憶的底層，試圖捕捉在現代化進程中逐漸隱沒，卻仍持續流動的精神痕跡。 創作背景源於曾文溪流域的歷史與信仰脈絡。這條曾被稱為「青瞑蛇」的河流多次改道，其不穩定性深刻形塑地方對自然與神靈的理解。在各庄頭的祭典儀式中，乩童透過附身與身體實踐召喚神靈，以抵禦災厄並撫慰歷史創傷，人們亦從中獲得心靈慰藉，使信仰成為日常生活的重要依託。隨著社會演進，這些傳統逐漸轉變，然而在李岳凌的影像中，仍可見當地居民於有形與無形之間延續著祖先留下的文化痕跡，使觀看轉化為一種共同的感知經驗。 在拍攝過程中，藝術家回望自身生命的轉折，進而意識到個體經驗與土地歷史之間的深層連結。《伏流》因此指向一種集體性的「疤痕結構」：累積的創傷在時間中轉化為信仰，並成為維繫群體的精神力量。河面上的日常與河面下的無形流動彼此交織，呈現出一種不穩定卻持續運作的內在平衡。詩人吳俞萱認為，《伏流》的關鍵在於重新看待「表面」。李岳凌透過貼近物件、壓縮空間的方式，讓影像不再只是用來說故事，而是讓畫面本身就成立。像血痕、剝落的顏料或懸掛的物件，看似靜止，卻隱含著內在的變化與力量，在穩定與崩解之間形成張力。在影像的安排上，《伏流》不走線性敘事，而是透過畫面之間的呼應與連結，形成一種類似夢境的觀看經驗，讓觀者可以自由感受與理解。相較於〈Raw Soul〉偏向象徵的表現方式，《伏流》更直接面對事物本身，強調「看到的就是它本身」，也進一步回應了我們如何觀看、記憶與理解世界的問題。 本展覽亦將於6月6日舉辦座談暨《伏流》攝影書發表會，由沈昭良教授與李岳凌共同對談，從創作方法、影像語言與台灣當代紀實攝影的脈絡出發，深入分享《伏流》的生成過程與觀看觀點，當天藝術家亦將首次發表由日本知名攝影書出版社赤赤舍(赤々舎)出版的最新攝影書〈伏流 Undercurrent〉，誠摯邀請您蒞臨參與。朝代畫廊歡迎您走入《伏流》的影像現場，在表面之中感受潛藏的精神暗流。當我們凝視這些影像時，或許也將意識到，那些來自土地與他人的痕跡，正與我們自身交織，在時間之中持續生成。 李岳凌2001年起投入聲音藝術創作，關注人文音景、電子原音與具象音樂，於2006年完成法國國立高等裝飾藝術學院互動媒體藝術工作室後學位研究；2011年起自學攝影並專職創作。對他而言，聆聽、瑜珈、長跑與攝影都是內在覺知的練習——在用力與放鬆之間取得平衡，直至內外界線的消融。他將攝影視為「以視覺與外界共鳴的自動書寫」：在移動與感知之中，使攝影從現象的紀錄，轉化為召喚潛意識的儀式；影像因此成為不可見世界顯影的痕跡。個展包括《Raw Soul》(京都Under-throw，2018)、(東京Place M，2017)、《Frames In-Between》(英國Lewis Elton Gallery, University of Surrey，2014)，曾於台灣、祕魯、中國、香港、日本等地美術館、藝術節展出聯展，並於2025年「Photo ONE 專家面對面計畫」獲評審團特別獎(2025)及首獎(2016)。其攝影書〈Raw Soul〉(2017)、〈伏流 Undercurrent〉(2025) 由日本京都的赤赤舍出版。
| | 主辦單位 國立故宮博物院
康熙六年（1667），在太皇太后孝莊文皇后的慈諭與方甫親政的康熙皇帝推動下，清宮啟動一項規模浩大的佛教文化工程——修造泥金寫本藏文《甘珠爾》（bka’ ’gyur），此即世人所熟知的《龍藏經》。這部鉅作耗費鉅資，動用無數頂尖藝匠與高僧參與，歷時兩年方成，旨在祈求皇圖永固、帝道遐昌，並以此鞏固當時滿蒙間的政治與宗教聯盟。 本特展嘗試突破過往僅簡單展示經葉及護經板的框架，首度於故宮北院將《龍藏經》結合其全套裝幀配件完整呈現，並結合故宮同仁近年的針對各部分所進行的檢測分析與比對研究。將視角從單純的文獻典籍，提升至「總體藝術品」的高度，引領觀眾層層解構這部曠世經典。 從磁青紙上莊嚴的泥金經文，到繪有精細壇城的護經板；從層層包裹、繡工卓絕的黃緞織花經衣，到色彩斑斕的五色經簾，每一處細節皆是清初宮廷工藝的極致展現。展覽亦將並陳與之相關的明代內府的御製經典、亦於清代製作的《諸品積咒經》、《乾隆甘珠爾》、乃至形制相近的滿文藏經，藉以呈現皇室信仰在不同朝代與語文間的流轉與傳承。 這是一場關於皇權威儀與虔誠信仰的對話，也是一次穿越三百餘年時光，重新凝視盛世工藝巔峰的視覺饗宴。
| | 主辦單位 當代一畫廊
文／陳芷若 人們在每日都會有很多個凝視的瞬間，千千萬萬，不同時空，各種狀態，同一個瞬間，在不同心境下感受會是截然不同，人的意識是很重要的，自己只要轉念，日常的景色也都會有不同的意義，感恩、珍惜每一個相處的當下。 作品探討東方媒材所蘊含的文化背景，和當代社會現象之間的對話。思索如何打破水墨僵固的樣貌，走出限制，與當代展開對話，在思考水墨可有怎樣新的視覺語言時，陳芷若先從材料開始著手。生活經驗的反芻中，她將古代與現今生活交互對照，從中尋找出對應之處，以「紙本」串聯起水墨與現代生活的連結，嘗試開闢出一條嶄新的道路。 半透明的水墨紙具有透光性，質感溫潤，刻意挑選很薄的紙，透出下層的印刷品。厚薄不一的紙張，經由多層次的疊合、裱貼，指涉時間與空間。對應現代人生活中，每日被大量的資訊轟炸，被各種繁瑣的事項，切割成零散的碎片，層層疊疊中，這些碎片象徵著現代社會中資訊快速更替，人們被片面、破碎的訊息遮蓋，將生活經驗轉換為視覺作品，呈現出碎片化的狀態。
| | 主辦單位 安卓藝術
安卓藝術將於今年初夏推出代理藝術家周楷倫的畫廊第二場個展「綻放的圖層」，並呈現周楷倫近年在生活與藝術上的轉變與最新探索。在這場以圖層概念對繪畫進行思索的展覽中，藝術家帶來30幅左右繪於2024至2026年的新作，以涵蓋繪畫、素描與速寫的不同表現組合此次個展。展覽從2026年5月30日至7月3日之間舉行，並於5月30日周六下午三點半舉辦開幕酒會，我們誠摯邀請歡您的蒞臨。 日常的深度凝視 周楷倫在邁入而立之年的個展「綻放的圖層」中，大量選擇原來不是主角的畫面進行描繪：「我覺得將那些非主角的事物、畫面成為這次個展的主角的狀態就是一場發現的過程，透過緩慢的生活以及不停留在單一出發中，可以不斷發掘出生活的蓬勃之處。」藉由這種觀點與視角的轉換，藝術家嘗試將觀者帶入一場他個人在畫中展開的漫步，並以一種更歡快與積極的心情，純粹透過顏色與筆觸的拓展，表達其作為畫家、藝術家的個性。 展覽中二件具有明確人物形象的畫作《沉思者》與《樹下的兩人》。《沉思者》的原始影像來自霍克尼(David Hockney)在1982年接受採訪的錄像，而《樹下的兩人》則是藝術家在公園所拍攝到的底片。這兩件作品，包含著周楷倫對於繪畫的理解與嚮往：「在訪談中講者與霍克尼溫柔靜靜的談論不同階段的生活以及不同階段的創作，我覺得那是一種很好的狀態，在人的相處上以及靠近藝術的過程上都是。那段影片令我著迷的點便是他們交流的語速、音頻、肢體，搭配上簡單的背景及椅子給了我一種沒有距離、穿透回到那個當下的感受。霍克尼曾在另一段訪談提到過好的畫家可以表現任何微不足道的的事物，這也是我開始描繪各種有別於過去描繪人物的契機，在構圖上、在視覺語言上、在用筆上，我都希望能挑戰自己做出突破。」《沉思者》的畫面與人物描繪明顯鬆動了周楷倫過往作品中的人物形象和輪廓，更為進入到藝術家強調的一種筆觸和顏色的交會與拓展。 綻放，是不斷堆疊與交織的感官與精神體驗 「綻放」在周楷倫的筆下，不單是花卉或色彩的視覺張力，而是一種多重層次的滲透與指向。他認為，繪畫是色彩圖層的綻放，亦是情感深度的體驗。透過顏料的堆疊與筆觸的游移，周楷倫將日常生活中那些微小、甚至平庸的瞬間，放大成為畫面的主角，交融出一片自然與精神的樂園。「綻放的圖層」一展的核心意念在於「交織」，藝術家嘗試在混亂失序的世界中，透過繪畫捕捉和詮釋那些使人重新獲得信心的支點——那些日常陪伴我們身邊的人事物，以及生命中真正被觸動的瞬間。「我相信繪畫承載著生活在當代的我們需要的一種更安靜、更流長穿透的力量，在一次次反覆遊走、觀看的過程中，總能帶給我們新的體會以及不快速下定論的習慣。」 從「人」的消失，看見「人」的存在 周楷倫近年創作經歷了顯著的轉向。過去他專注於人物造型的描摹和影像語言的轉譯，但此次個展，「人」的身影逐漸淡出，取而代之的是與人相關的環境與風景。藝術家希望透過這種抽離人物形象的畫面，展現出另一種人的生活與那些曾經存在的痕跡，凸顯一種「看得見與看不見」的並存狀態，讓觀者從沒有人物的畫面中更深地感受到那些生活中一直存在的呼吸和溫度。一如藝術家所提：「我希望透過描繪更多的風景、花卉去製造一種喘息遊走的空間，這個展覽在綻放的感受之下也像是一個閉環，與人交流、與自己獨處、與周遭的自然環境相處、漫無目的的遊走、發現新的事物，體會自己新的感受。」
| | 主辦單位 聯邦藝術中心
「真實，猶如一張精緻的畫作，若僅具有物象的外形描繪是不足夠的，還必須有直覺、觸感的深刻體悟，及引起觀賞者共鳴的愉悅，才算得上是『真實』。」-許坤成 許坤成創作結合超級寫實主義與後立體派技法，在自然光下捕捉多視角的構圖，並以靜物展開對真實的深層凝視。