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在 枝 葉 之 下 / 𝘽𝙚𝙣𝙚𝙖𝙩𝙝 𝙏𝙝𝙚 𝙇𝙚𝙖𝙫𝙚𝙨 有些⽣命向上⽣⻑，迎向光與空氣； 有些⽣命則向下延伸，在⼟壤深處緩慢扎根。 枝葉、根系與⾻骼，都是時間在物質中留下的形狀。 在⾃然的世界裡，⽣⻑從來不是單⼀的⽅向。 它可能被修剪、被限制，也可能在隱密之處悄然展開； 有時向外延伸，有時則在內部慢慢構築⾃⼰的結構。 本展邀集三位藝術家，透過不同的創作語⾔描繪⽣命的⽣⻑狀態。 何宇森游移於⼈體與植物形態之間，在流動與凝結、⾻骼與根莖彼此交融， 展現⽣命深處⽀撐與⽣⻑的⼒量。 耿傑⽣透過⽊材與植物之間的轉化，拆解物質的時間序列， 使原本被視為無⽣命的材料重新回到⽣⻑的狀態。 劉⽂豪則以盆栽為隱喻，描繪⽣命在限制與規範之中形成的姿態， 讓歪斜與顫動的線條成為⾝體經驗的痕跡。 ⽣⻑不僅是向上的⽅向，也是⼀種向內持續滲透的過程。 形體不⽌於表⾯，⽽是時間、⾝體與⾃然⼒量交織後留下的痕跡。 那些隱藏於枝葉之下的結構與能量，正悄悄塑造著⽣命的樣⼦， 在無聲之中，慢慢⻑出⾃⼰的形狀。
| | 主辦單位 安卓藝術
安卓藝術很榮幸推出葡萄牙藝術家魯伊．米蓋爾．萊陶．費雷拉（Rui Miguel Leitão Ferreira）於畫廊舉辦的第二場個展「相繫之縷……」。不同於前次個展發表的具象繪畫，本次展覽聚焦於藝術家混合層疊交錯的壓克力彩、畫布與現成物的創作，並融合雕塑手法而成的抽象繪畫，預計展出一系列從2020年以來耗時多年完成的新作。展覽訂於2026年8月29日至10月8日之間舉行，並於 8月29日星期六下午3點30分舉辦開幕酒會，藝術家亦將出席，我們誠摯邀請您的蒞臨。 展覽的十四件作品，橫跨不同時期與尺幅，試圖拓寬我們對抽象藝術的認知：費雷拉的抽象作品並非將現實世界摒除於畫布之外，而是讓記憶、物質與感知相互交融，最終化為密不可分的整體。展名「相繫之縷……」刻意留白，拒絕給予僵化封閉的敘事，轉而暗示一種無形卻充滿韌性的連結。這是一條隱形的線索，穿梭於直覺與理性、圖像與物件、內在思緒與外在物質之間。每一件作品皆是這些二元狀態共生共存的場域，任其相互激盪，而不急於給出唯一的解答。
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「婆娑」一詞，最早見於《詩經》，意指生命搖曳舞動的姿態；在佛教語境中，它指向娑婆世界的苦與渡化。陳思婷以此為核心展題，以畫筆構築出她自己的婆娑世界，將繪畫置於可視與不可視的虛實中。 陳思婷常以山水植物作為題材的創作，觀者第一眼看到的花或石頭、或貝殼的切面，或像是正在蛻變的生命形體？在她的創作語彙中，花凋之際反而是生命最誠實的時刻，生命褪去盛放的裝飾，露出如石頭般的真實輪廓，展現堅韌而蜷曲的形體。陳思婷將意象帶入自然萬物的花石之中，如形象本身的無常對照石頭堅韌般的永恆。這種「藉物喻意」的創作方法，根植於她長年研究的物色觀，使作品儼然形成一個介於虛實、隱現之間的場域。 陳思婷以柔軟弧線與纖細植物經脈，乾澀線條勾勒輪廓，濃淡墨韻層層刷染留下筆觸與肌理，以及介於夢境般天馬行空的形體，透過絹布半透光影的特性，使觀者欣賞絹本那既可以覆蓋又透光的特質，讓視線遊走在「顯」與「隱」之間。那些輪廓清晰、用色對比強烈的畫面讓人隱約聯想到薩爾瓦多．達利的超現實氣質，同樣以銳利輪廓線與強烈明暗對比構築畫面，同樣讓不可能的符號並置於同一空間。 達利從夢的深層挖掘潛意識，陳思婷從生活的場景中出發，發展出個人觀看世界的獨特視角，將東方的「睹物興情」轉化成當代視覺的新穎角度。 世間萬物如一念婆娑，解世間纏縛，是「可視的盛放」與「不可視的空寂」。絹布鏤空的特質，將纖細、輕透、易飄的特性，以及承載物色的絹布光影，呈現作品幻化 、蛻變、飄渺有無的精神意象傳達。
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| | 主辦單位 安卓藝術
安卓藝術將於 2026 年夏末首次與藝術家黃冠鈞合作，呈現其最新個展「忘記的那一刻」，展期自 8 月 29 日至 10 月 8 日。展覽延續藝術家對繪畫物質性、空間與身體感知的探索，並透過其獨特的「繪畫體」創作，重新思考色彩、光線與載體之間的關係。展覽主題指向生活中極其細微的意識留白，當人置身特定空間，受到瞬時的光影、氣味或色彩吸引時，往往會短暫進入近似失神的狀態。此時，外在紛擾逐漸褪去，意識從日常邏輯與既定目的中抽離，進入一種「中性」的感知狀態，身體重新回到對周遭環境最直接的感受。 這種對「中性」感知與物質本源的關注，深植於黃冠鈞的雕塑與染織背景之中。他透過特殊的實驗製程，將壓克力顏料於玻璃表面反覆堆疊、乾燥，再將形成的顏料薄膜完整剝離，使顏料脫離原有支撐物，成為能夠獨立存在於空間中的物質，藝術家將其稱為「繪畫體」。受到杜象（Marcel Duchamp）「比薄更薄」（Inframince）概念的啟發，黃冠鈞持續探索物質極薄狀態下產生的感知差異。半透明的顏料薄膜使光線得以穿越作品，色彩隨觀看位置、環境與光影產生變化，觀者也在移動之間，捕捉色彩、陰影與空間交疊所形成的模糊瞬間。此次展覽中，黃冠鈞進一步將繪畫與建築空間結合。作品《天空》直接貼附於展區玻璃窗面，讓自然光穿透顏料薄膜，使作品隨時間與日照持續變化；繪畫不再是一幅封閉而固定的圖像，而成為與建築、光線及時間共同發生的空間事件。
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| | 主辦單位 加沃文行
加沃文行（+wò Cultural Practice）於 2026 年 8 月 4 日至 10 月 3 日推出當代雕塑家薛翔之個展《凝神Being》。展覽聚焦薛翔之近年在金屬雕塑上的實踐，集結《Majesty》與《Inkform》兩大核心系列作品。薛翔之跳脫傳統金屬雕塑沉重的材質框架，透過切割、焊接與鏡面不鏽鋼的空間折射，將堅硬鋼材轉化為流暢的生命動態，引導觀者在凝視作品的同時，重新探尋自我與周遭環境的關係。 藝術家薛翔之畢業於國立臺灣藝術專科學校（現國立臺灣藝術大學）雕塑科，後赴法深造，取得法國國立巴黎高等藝術學院（ENSBA）及國立巴黎高等裝飾藝術學院（ENSAD）雕塑系雙碩士學位。早年在巴黎創作期間即獲得肯定，後因生涯規劃跨足室內設計，累積對空間結構與語彙的體悟。近五年重回雕塑創作，薛翔之將東方氣韻與西方造型融入當代語彙，先後參展義大利佛羅倫斯國際當代藝術雙年展（Florence Biennale），並獲得英、美、法、義、瑞士等多國藝術獎項肯定。 此次展出的《Majesty》系列源自藝術家對自然生命的觀察，作品以動物形象為起點，運用線條與光影的變化，使形體於空間中延展出豐富的動態；而《Inkform》系列則融合東西方視覺語彙，將傳統「筆墨」轉譯為金屬的三維線條，展現書法的氣韻，開創出介於雕塑與空間書寫之間的語言。 「雕塑，不只是形體的建構，而是一場存在的提問。」對薛翔之而言，鋼材銳利的結構邊界與鏡面的折射，是他與世界對話的痕跡。薛翔之利用鏡面不鏽鋼的反射特性，模糊物質與空間、自我與他者的邊界。觀者在凝視作品的當下，亦於金屬鏡象中照見自己，尋得與內心對話的靜謐瞬間。